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わくわく挿絵帖
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呉春と芦雪
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 司馬遼太郎の作に江戸中期の画家、呉春(1752−1811)と芦雪(1754−1799)をあつかった作品があります。
 歴史小説家の書くものの中に、絵師や文人を題材にしたものに傑作が多いような気がします。
 司馬さんのこの二作品もまた傑作で、時々思いおこし筋をなぞることがあります。

 松村呉春は二人の師匠につきました。二人とも日本美術史おける巨人です。
 最初の師である与謝無村は周知のように世俗を超克した俳人で画家でした。俳句は芭蕉と比され、絵は粋人好みの文人画を代表する一人でした。
 従って無村は貧乏でした。
 無村が亡くなって後、時の京都画壇の雄、丸山応挙門下となります。といっても弟子の扱いではなく客分格といわれています。
 わけは無村の内弟子で、かつ名手として名が知られていたからです。
  
 応挙は西洋流の写生を伝統絵画に取り入れたパイオニアとして、日本美術史において何人もいない革新者の一人です。
 世俗においても江戸期を通じ、東の谷文晁と並び天下第一の画家として、描くそばから高く売れる状況にありました。

 二人の師の画風は懐具合だけでなく両極にありました。
 無村はヘタを極めようとした画家で、応挙はウマサを極めようとした画家です。
 
 呉春は二人の師を深く愛しました。 
 彼の画才は二人に劣るものではありませんでした。
 およそ芸事は9割方才能で、あとは巡り合わせと執念で優劣は決まります。
 この師弟、来世で立場が入れ替わっていてもおかしくありません。
 
 しかし司馬さんは無村が相当お好きらしく、小説では才人呉春を継子あつかいし、器用なだけの凡庸な画家として描いています。

 ぼくは古くから応挙が気になっていました。
 何故なら、日本絵画史のなかで高校生以前の教科書レベルの知識で、ぴんとくる絵といえば、ぼくの場合、近世では琳派と浮世絵で、あとは円山応挙と渡辺華山ぐらいでした。与謝無村や池大雅は良く分かりませんでした。
 
 やがて高校生になり円山四条派の画集を側に置くようになると、応挙門下の呉春と芦雪が気になり始めました。
 何故なら彼らのやろうとしていることがぼくには良く理解出来たからです。

 長沢芦雪は呉春より二つ下で、いわば二人は応挙門下で歴史に名を残した竜虎で、特に芦雪は技においては師を越えるほどでした。
 これを剣豪小説に例えるなら、芦雪は師と道場で仕合、3本に2本は勝つことが出来る技の鋭さと勝ちへの執念があります。
 門弟や関係者の中には師を越える日も近いと言う者も、いや越えていると言う者もいます。また顔をしかめ、あれは邪剣だと言う者もいます。
 聡明さとうぬぼれが同居する芦雪は、半ば師を越たような気でいますが、真剣ならば師に勝つことは叶わぬことを知っています。
 温厚そうに見える師の剣技の恐ろしさを、良く知っているからです。

 呉春はというと道場において、たまに師に勝つこともある程度ですが、実践なら時を得ると勝かもしれないと人に思わせるところがあります。
 時々妙手を使うことがあるからです。
 ただ呉春には勝負を避ける癖があります。がむしゃらに勝とうとする気迫がないのです。
 これは呉春の性質と無村流から学んだものと思われます。
 しかし、勝つときは息をの飲むようなきれいな技を使います。
 また、こういう才は道場に置いておくと大層重宝しました。いつの間にか応挙流も会得し、いかなる技も上手に使い、初心の者から上級者まで上手に教えることが出来るからです。

 江戸期の人にとって、西洋流の写実主義は鮮烈な印象を残しますが、同時に疲労感を覚えました。
 応挙より前に写実を始めた伊藤若沖の彩色画がそうです。
 また、その後江戸中心で起きた蘭画は、さらに奇っ怪な印象を残すだけで、人をなごますことのない絵でした。
 この刺激は俗人には毒に見えました。

 しかしながら、京都は奥深い古都です。常に新しいものと古いもの求めます。したがって願わくば、この二つの同居を目の肥えた顧客たちは画家にもとめました。
 これを応挙はいち早く見事に実現します。
 しかしながら応挙は京都のパトロン達は欲深いことを知っています。
 彼らは常に茫漠たるものを求めます。
 顧客の多くは寺だからです。
 
 応挙は古くから、若沖と同年の無村にはそれがあることを知っていました。応挙は無村の画風と質は真似が出来ないと常々思っていました。そして、無村の茫洋とした絵を観るのが好きでした。
 呉春を側に置こうと考えたのは、それ故と想像出来ます。
 加え呉春は芦雪と違い、師の寝首をかくこともなさそうです。

 数百年経て、呉春の斬新さの評価はますます高まり、彼の天才を疑う者はいません。
 呉春はといえば、その後新しい流派をうち立て多くの門人を育て、その流れは明治以降の現代日本画の礎の一つになったと伝えられます。
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# by arihideharu | 2018-04-19 21:45 | | Comments(0)
クリント・イーストウッド
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 クリント・イーストウッドの『ダーティーハリー』をたまたま仕事を終えてから見始めたら癖になり、シリーズ全作を短時間で見終えてしまいました。今はほかのイーストウッド作品を物色中です。

 ぼくは『ローハイド』やマカロニ・ウエスタンを同時代に観ていたので、彼の息の長い偉大さを知っているつもりでいました。
 これはおそらくぼくの身勝手な間違いで、彼の偉大さを見過していた最初の世代かもしれないと今思い始めています。
 それは後日映画館で最新作の『15時17分、パリ行き』を観て、彼の演出家としての名人芸ぶりに脱帽したからです。

 振り返ると『ローハイド』の彼は痩せたのっぽだけの、たいした印象を残さない若者でした。マカロニ・ウエスタンでエンニオ・モリコーネの音楽と共に登場したとき、ぼくは熱狂しましたが、どこか紛い物扱いをしている自分もいました。
 やはり、アメリカの原野で撮ったハリウッド映画ではないという残念な思いが常にあったからです。
 そして『ダーティーハリー』を観たときも、これぞハードボイルドと膝をたたき、アメリカに帰還したガンマンに大いに喝采を送りました。
 しかしポール・ニューマンとスティーブ・マックイーンを最上の活劇俳優とインプットされた世代でしたので、僕の格づけも鰻登りでしたが、B級アクションの域をでない日活アクションのような位置づけでした。

 今さらですが『ダーティーハリー』が映画史に大きな意味があったことはその後の流れをみると明らかで、今となっては、彼と比すべきはジョン・ウエインだけで、イーストウッドが映画史上最高のカウボーイ俳優であることは間違いなく、なおかつ秀逸な演出家であることは周知のこととなりました。
 さらに『許されざる者』や『ブロンコ・ビリー』はリアル・カウボーイを演じるものが、今彼しか残っていないことを示すものでした。

 ジョン・ウエインの偉大さは彼の巨漢にありました。誰より大きい躰が常に抑止力になり、大概の諍いは事前にさけられ、いざというときは銃を抜くまでもなく、一発のパンチで敵を倒し正義を公使する、説明不要の説得力があることでした。
 クリント・イーストウッドの武器も似ています。それは身長です。彼の上背を越える者はアメリカ社会でもめったにいないらしく、それが抑止効果があることは、『ダーティー・ハリー』以降の映画から顕在化します。
 彼の長い腕から繰り出すパンチは実践と共に重くなり、先制攻撃の確実なパンチが危機回避の決め手となることを教えます。
 それに加え、暇さえあればジョギングする姿を映し、実は持久力こそ勝敗を決める最終兵器であることをにじませます。
 本物の戦士は無駄な筋肉を嫌います。
 
 ジョン・ウエインは家長的存在として常に、仲間や家族と共にいますが、イーストウッドのカウボーイ像は孤独です。
 荒野をさすらい、石を枕に臥する生活は長期にわたり、おそらく彼には帰るべき家がなく、頼るべき家族もいない様子です。
 命を捨てることが、それほど彼には怖くないのでしょう。常に危険に飢え、危険センサーは麻痺状態で酔ったような感覚がどの映画にも流れます。

 武芸における奥義とは、いつでも即座に命を捨てる覚悟を懐に忍ばせて置くことです。
 クリント・イーストウッドはこの奥義を初めからものにしていたようです。

 思うに彼の本質は、たちの悪い根っからのチンピラと考えるべきなのかもしれません。

# by arihideharu | 2018-03-29 23:14 | 映画・演劇 | Comments(0)
印象派と浮世絵

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 近代に入ると西洋では神様を描くより、日常を描くことが絵描きの主題になることが増えていきます。
 近代絵画の幕をきった印象派は、この世を光に置き換えてとらえようとしました。
 これは日常をさりげなく写す、よく考えられた方法でした。
 その時ものには輪郭はなくなり、同時に事象の意味も消え、色の連なりだけが絵描きにとっての実在となります。
 この出会いはセザンヌなどの実験をへて、画家たちに様々なインスピレーションを与え絵画史を大きく変えました。
 
 印象派のスタート時に戻ります。
 万物を光に置き換えるアイディアはすばらしかったのですが、実践となると事実上不可能でした。
 何故なら絵描きはカメラのように、瞬時に日常を二次元化が出来ないからです。
 これを実現するには、異常な再現力をもった者か、すぐれた忍耐力と構成力を持った者しか出来ないやり方でした。
 やがて一部の画家の奇跡的成功だけで、多くの画家は限界を感じます。
 しかし実際は、この方法論は敷居が低く、写生の基礎表現方法として、今でもひろく実践されて量産されています。
 それだけこのやり方は普遍性と共感力があるかわり、差別化が難しいのです。
 ここで生き残った者は、無意識に過剰に現実を脚色する力を持ったモネやルノワールのような、いつの時代でも汎用性のある憑依型の天才でした。

 我々は永遠に続く日常の中に生きています。しかしながら日常はとどまることを知りません。
 そこで、ドガやロートレックのような形好きなデッサン家は、光に加え線でこの世を活写する方法に喜びを見い出します。
 ここには『北斎漫画』の影響があったと言われています。
 北斎の偉大なデッサン力は簡単な線で、ものの本質を写しました。これは彼一人の手柄では勿論なく、長い伝統の中で型の踏襲と改良を繰り返した結果です。 しかしながら彼ほどあらゆるものを写した画家は多分なく、その表現は西洋人に世界の広さと多様さを瞬時に理解させる力がありました。
 また画家たちには、北斎の日常のさりげない一瞬の動きをとらえた絵に驚愕します。
 何故なら、彼らは永遠の美を描くのが画家の仕事だと思っていたからです。

 永遠の美とは、ギリシャ彫刻のような完璧さや理想を求める美で、やり方としては人物を描く場合はモデルを置きデッサンを繰り返し、風景や静物も同様の行程をへて、それらをテーマに合わせ構成し現実を理想に置き換えることでした。 
 したがって長い西洋絵画史の中に、動きのある絵はあっても、日常のたわいのない動きをありのままに描く文化はなかったのです。
 
 この浮世絵木版画との出会いは、西洋の絵描きには目から鱗で、絵描きのプライドを守りながら、日常を活写し、勃興する写真リアリズムに対抗するプロの画家が生き残る手段と映ります。
 そのとき画家たちは直ぐに、線表現は個性が発揮しやすいという偉大な利点があることを見つけます。
 彼らは驚きました。同じ存在物を写しても線表現は画家の違いが大きく出るのです。
 同時に彼らは、デフォルメする快感を見い出します。
  
 それは画家たちが、神が創造した形から解放された瞬間でした。

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# by arihideharu | 2018-03-16 15:49 | | Comments(0)
国貞2
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 歌川国貞(1786-1865)を詳細にみていくと、仕事がおそろしく丹念なのに驚きます。一つひとつ細部まで、およそ不明瞭なところがありません。
 例えば眉毛ばかりか睫毛まで一本一本描いてみせ、また着物の柄の克明さは秀逸で、ファッション画としての資料価値も高そうです。さらに小物類や家具調度の正確な描写には頭が下がります。

 描き方としては、ありとあらゆるものを線でとらえ、その個体が何であるか納得確認しながら描いているのがよく分かります。
 つまり、このスタイルはどこを切りとっても、記号として読みとることが出来るようになっています。
 これは森羅万象、すべてを畏敬をもって同等にあつかうという、日本人がもつ宗教観と関係がありそうです。
 そして、このあたりに圧倒的に大衆に指示された理由もありそうです。

 しかしながら、この画風は成功するとすばらしい緊張感のある絢爛たる世界をうみますが、気を抜くと丁寧な仕上げに関わらず、まとまりに欠ける緩慢な印象になります。彼にはこの手の絵が多数あります。
 これはぼくが愚考するに、売れ過ぎた画家の宿命であり、全体の構成より注文主の要望や販促を優先した浮世絵がこの時代背負った使命のためと思われます。
 このことはむしろ、半ば広告やカタログのような絵もけっして厭わなかった国貞の真骨頂と今ではぼくは理解しています。
 やはりこれは、浮世絵師のあるべき姿の到達点と言わざるえません。

# by arihideharu | 2018-02-14 18:33 | | Comments(0)
国貞
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 ここしばらく歌川国貞(1786-1865)ばかり眺めています。
 彼は若い時分から晩年まで売れ続け、浮世絵史上最大の作品量を誇った画家と言われています。
 特徴は迷いのない派手さと勢いにあります。この画風は堅牢な型となり江戸末期歌川派の中心として、多くの門人と影響を後世に残しました。

 ところが、ぼくはこの絵が大の苦手で、今まで素通りしてきました。というのは、どれも同じに見えたからです。
 例えば、北斎・写楽・広重などは作家性が強く、子供でも十分楽しめるほど時代を越えた力がありますが、この国貞の量産型画風は、ほとんどが風俗画だけに時代を経ると、ぴんとこない宿命がどうしてもあります。加えて、この派手過ぎる画風の中に、どこか堅気相手ではない臭いがします。
 そんなこともあり、ぼくは長い間、国貞の絵は苦手でした。

 ところがここへ来て、国貞に興味を持ち始めたのは、今までぴんとこない部分が自然にぴんと来るようになってきたからで、どうやら彼の生きていた時代の日常がぼくの中に少しづつ馴染んできたようなのです。

 絵の定義は色々ありそうですが、絵を記号と見ることは可能です。記号は言葉に置き換えられます。
 しかし絵画の中には、記号化や言葉化を拒否しているものがあります。例えば抽象画です。
 また逆に、記号として描かれた絵や図とした描かれた絵もあります。これは言葉の替わり、意味を伝えるための絵です。
 あるいは、記号をちりばめ思想や物語を伝えようとする絵もあります。
 しかしながら、近代絵画は記号の量をおさえ絶対美をもとめました。

 さて風俗画です。これは記号を散りばめていますが、さしたる意味や思想はありません。ただただ世俗のあり様を恰好よく描くことに主眼が置かれます。
 こういう種類の絵はその時代には喝采を浴びますが、時間が経過すると評価が下がり、時には消耗品扱いされ差別されることがよくあります。
 この歌川豊国は希代の風俗画家の巨匠ですが、さりとてその例外をまぬがれることは出来ません。
 何故なら、彼の一世風靡した役者絵や美人画の手柄は、記号数をおさえた東州斉写楽や喜多川歌麿に独占されているからです。

 しかしながら、この国貞を芸術至上主義をすて、散りばめられた記号の意味を腹におさめれば、とてつもなく豊穣なる地平が見えてきます。
 これは絵を読み込むという、ぼくが今まで使ってこなかった脳細胞を使うことになります。

# by arihideharu | 2018-01-22 19:54 | | Comments(0)